MIRA AQUÍ | Martín Chambi llega a la Universidad de Lima con exposición gratuita hasta octubre

A través de estos encuentros, la puesta en escena aborda la infancia, las emociones y el poder de contar historias para comprender y afrontar las experiencias difíciles. La obra, dirigida a toda la familia y especialmente a niños y niñas desde los 2 años, se presentará en el Auditorio Británico de Miraflores. Entradas disponibles en la plataforma de Joinnus.

SOBRE LA OBRA

Escrita por Henry Sotomayor García, la puesta en escena sigue a un niño de 9 años que transforma sus experiencias en historias y descubre, junto a una roca, un astuto ratón y una lluvia llorona, que imaginar también puede ser una forma de sanar.

La historia comienza cuando el niño comparte con estos singulares personajes los relatos que guarda en una precaria libreta. Así aparecen un poeta que ha perdido las palabras, un pan encontrado en el baúl de unos piratas que se niega a ser devorado y los terribles hombres bandera, empeñados en pelear por la tierra, las banderas y por el propio niño. A medida que estos relatos cobran vida, el público irá descubriendo también la historia que se esconde detrás de su protagonista.

HERRAMIENTAS

La puesta en escena utiliza el teatro de objetos como uno de sus principales recursos expresivos. A través de la manipulación de los actores, objetos cotidianos adquieren nuevos significados y se transforman en personajes y escenarios. Esta propuesta dialoga con la música en vivo, el teatro de sombras, las ilusiones ópticas y el humor, construyendo un universo escénico dinámico y cercano al público infantil y familiar.

Más allá de la aventura, “El Niño Cuenta Historias” propone una mirada sensible sobre la infancia y las distintas maneras en que niños y niñas procesan aquello que viven. A través de su protagonista, la obra pone en valor la palabra, la creatividad y la capacidad de contar historias como recursos para expresar emociones, comprender nuestras experiencias y fortalecer la empatía.

La obra fue ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia 2025, organizado por el Ministerio de Cultura del Perú, reconocimiento a la dramaturgia peruana contemporánea.

“El Niño Cuenta Historias” se presentará los sábados y domingos a las 4:00 p. m., del 26 de septiembre al 11 de octubre, en el Auditorio Británico de Miraflores (calle Bellavista 531, Miraflores). Entradas disponibles en la paltaforma de Joinnus.

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La obra, presentada por la Especialidad de Creación y Producción Escénica (CREPO) de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP, estrenará este miércoles 23 de septiembre, a las 8:00 p. m., en el Goethe-Institut Perú, en Jesús María. Las funciones serán gratuitas.

SOBRE LA OBRA

Cinco jóvenes artistas participan de una audición dirigida por una voz de inteligencia artificial que les plantea un desafío: demostrar que son capaces de ser auténticos y, a la vez, responder a las expectativas que la sociedad tiene sobre ellos. A través de acciones físicas que dialogan con recursos visuales y sonoros, se enfrentan a los imperativos de conectividad, bienestar, productividad y corrección política que atraviesan nuestro presente. Sin embargo, en el transcurso de la audición, algo comienza a escapar de las reglas: los performers se miran, se escuchan y ensayan otras formas de estar juntos. Sus cuerpos, voces e ideas abren así la posibilidad de habitar el presente desde otros modos de relacionarse consigo mismos, con los demás y con el mundo.

El punto de partida de la creación es la aproximación a las inquietudes de los jóvenes hoy, desde su lugar de enunciación como artistas escénicos, en un contexto determinado por la inteligencia artificial, la virtualidad y la globalización. ¿Cómo defienden los jóvenes artistas escénicos su quehacer hoy en día, en el contexto digital en el que vivimos?

Los ejes de esta creación colectiva son el azar, los algoritmos, la realidad virtual, la presencia corporal, las redes sociales, la contención emocional y la relación entre inteligencia artificial y creatividad humana.

“Presentes es un proyecto que vincula a estudiantes, egresados y docentes de FARES para buscar respuestas a preguntas propias de nuestro oficio y del tiempo que nos toca vivir. La idea de ‘estar presente’ es una afirmación muy propia del trabajo escénico. Por lo tanto, tocaba preguntarse qué es estar presente en medio de un tiempo en el que estamos conectados desde la tecnología, pero también profundamente solos”, detalla la directora de la obra Paloma Carpio.

Para ella, abordarlo desde el cuerpo fue una consigna, en diálogo con lo visual y lo sonoro, que son los sentidos continuamente sobre estimulados: “esta es la primera ocasión que tenemos de compartir públicamente este proceso de investigación-creación, con los retos técnicos que esto implica. Y nos alegró realizarlo en el marco de la Feria Gestar la escena (realizado semanas atrás) un espacio que tuvo el propósito de intercambiar sobre las formas de crear, producir y circular el conocimiento que generamos desde las artes escénicas”. Forma parte del elenco: Gabriela Artieda, Alejandra Chávez, Arlene Gutarra, Alessandra Burga y Mick Jack Gonzales.

FUNCIONES DE PRESENTES

Funciones: miércoles 23, jueves 24 y viernes 25 de septiembre a las 8:00 p.m.

Lugar: Goethe Institut Perú

Dirección: Jr. Nazca 722 Jesús María

INGRESO LIBRE, AFORO LIMITADO

Reservar ingresando aquí https://forms.gle/DHRwLgxUS2EiXc4U9

*Las reservas se liberarán a partir de las 7.40 p.m. Por favor tomar las precauciones necesarias para llegar a tiempo

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El legado del fotógrafo peruano Martín Chambi puede visitarse en la Universidad de Lima a través de “Chambi itinerante: el oficio”, una exposición que reúne fotografías, objetos, elementos interactivos y material audiovisual para acercar al público a su proceso creativo y trayectoria.

La muestra se encuentra abierta hasta el 9 de octubre en la Galería del Centro Cultural de la Universidad de Lima, en Santiago de Surco. El ingreso es libre.

“Chambi itinerante: el oficio” llega a la Universidad de Lima

La exposición es una selección de “Chambi: Historia, oficio, archivo y legado”, la gran muestra retrospectiva organizada previamente por el Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores junto con la Asociación Martín Chambi.

Aquella exposición reunió casi 200 fotografías, además de documentos y materiales de archivo, y estuvo organizada en torno a cuatro ejes: historia, oficio, archivo y legado.

La versión itinerante presentada en la Universidad de Lima pone énfasis en el trabajo detrás de las fotografías y en la manera en que Chambi construyó una de las colecciones visuales más importantes del Perú.

Fotografías, objetos y material audiovisual

El recorrido incluye imágenes tomadas tanto dentro de su estudio como en exteriores, además de objetos vinculados con su actividad profesional, recursos interactivos y una pieza audiovisual.

Entre las personas y escenas registradas por Chambi aparecen campesinos, obreros, familias, artistas, viajeros y miembros de las élites, así como celebraciones populares, ceremonias, actividades laborales, paisajes y espacios urbanos.

Su producción constituye también un registro de las transformaciones sociales y culturales que atravesaron los Andes y el Perú durante las primeras décadas del siglo XX.

¿Quién fue Martín Chambi?

Martín Chambi Jiménez nació en Coasa, Puno, en 1891, en el seno de una familia campesina quechua. Su trayectoria lo llevó por Carabaya, las minas del Inambari, Arequipa y Sicuani antes de establecerse en Cusco, ciudad donde desarrolló buena parte de su obra fotográfica.

Desde allí construyó una producción que abarcó retratos de estudio, paisajes andinos, monumentos arqueológicos, escenas urbanas, fiestas tradicionales y registros de la vida cotidiana.

El Centro Cultural Inca Garcilaso lo reconoce como uno de los grandes maestros de la fotografía y destaca que su obra transformó la representación visual del mundo andino.

Un archivo con más de 40.000 negativos

Parte fundamental del legado de Chambi se encuentra en su archivo fotográfico.

Este conserva más de 40.000 negativos, además de cientos de copias originales y materiales vinculados con su trayectoria profesional. También forman parte del conjunto álbumes, cuadernos, libros, recortes periodísticos, cámaras y otros objetos.

La conservación de estos materiales ha permitido continuar investigando y difundiendo su obra décadas después de su fallecimiento, ocurrido en 1973.

La retrospectiva realizada en el Centro Cultural Inca Garcilaso durante 2026 incluyó incluso numerosas fotografías inéditas procedentes de ese archivo.

¿Hasta cuándo se puede visitar la exposición de Martín Chambi?

“Chambi itinerante: el oficio” estará abierta hasta el viernes 9 de octubre de 2026 en la Galería del Centro Cultural de la Universidad de Lima.

El horario anunciado es de lunes a sábado, de 9:00 a. m. a 10:00 p. m., y el acceso es gratuito. La galería se encuentra en el Edificio L1, primer piso, dentro del campus universitario en Santiago de Surco.

¿Cuánto tiempo de nuestra vida destinamos a mirar una pantalla? Esa es una de las preguntas que plantea “Abrumadora y Sobre-estimulante”, una propuesta teatral que trasladará al escenario la experiencia del doomscrolling, término utilizado para describir el consumo prolongado y casi automático de contenido en redes sociales.

La obra, escrita y dirigida por Vian L. King, tendrá tres funciones los días 2, 3 y 4 de octubre y contará con Sebastián Ramos como único intérprete en escena.

El montaje fue uno de los proyectos ganadores de la IV Convocatoria para el Apoyo de las Artes Escénicas y la Música de UPC Cultural, en la categoría teatro. UPC Cultural confirmó su selección junto con “El lugar imaginado”, de José Manuel Lázaro de Ortecho Ramírez.

¿Qué es el doomscrolling y cómo llega al teatro?

“Abrumadora y Sobre-estimulante” parte de la experiencia de deslizar continuamente la pantalla mientras aparecen videos, noticias, memes y tendencias.

En lugar de abordar este comportamiento únicamente mediante una narración convencional, la propuesta busca reproducir físicamente la saturación de estímulos que caracteriza al consumo constante de contenido digital.

La producción informó que utilizará más de 100 videos, además de proyecciones, videomapping, iluminación y una propuesta sonora diseñada para disputar constantemente la atención del espectador.

La descripción oficial de FAE Lima señala que el montaje sumerge al público en la sensación del consumo compulsivo de redes sociales mediante sonidos fuertes, múltiples proyecciones, iluminación intensa y performance.

Un intérprete frente a decenas de estímulos

Sebastián Ramos será el único intérprete sobre el escenario. Sin embargo, la puesta en escena plantea otros elementos como agentes activos dentro de la experiencia: las artes visuales, el diseño de luces y el sonido.

El público deberá decidir permanentemente dónde concentrar su atención mientras las imágenes aparecen en diferentes superficies del espacio.

La dirección propone así reproducir una lógica similar a la de las plataformas digitales, en las que múltiples contenidos compiten constantemente por captar la mirada del usuario.

La ficha publicada por FAE Lima consigna a Vian L. King en dramaturgia, dirección, creación e investigación; Ximena Portal en producción; Lucía Meléndez como mentora; Andrés Cisneros en diseño de luces; y Marcelo Mellado en composición sonora.

Una obra nacida durante la pandemia

De acuerdo con la información proporcionada por la producción, la idea comenzó a desarrollarse a partir de la experiencia personal de Vian L. King durante la pandemia.

El director identificó entonces que su relación con el consumo digital se había convertido en un comportamiento cada vez más automático, lo que dio origen a una investigación sobre atención, emociones y uso del tiempo frente a las pantallas.

El proceso creativo se inició en 2023 y posteriormente la propuesta ingresó a FAE Incuba 2025-2026, programa de residencia del Festival de Artes Escénicas de Lima dirigido a proyectos en proceso de creación.

FAE Lima confirma que “Abrumadora y Sobre-estimulante” formó parte de esa edición del programa, con Vian López King en dramaturgia y dirección, Ximena Portal en producción y Lucía Meléndez como mentora.

Memes y tendencias como parte del lenguaje escénico

La propuesta también incorpora memes, tendencias y otros códigos propios de las redes sociales.

“Uso memes y tendencias de redes sociales en escena, no para ser viral, sino porque ya son parte de nuestro idioma cotidiano”, explica King en declaraciones difundidas por la producción.

El objetivo, según el director, es que incluso personas que no frecuentan el teatro experimental puedan reconocer situaciones asociadas con su propia experiencia cotidiana frente a las pantallas.

El montaje no plantea abandonar las redes sociales ni presenta la tecnología como un enemigo. Su propuesta busca generar una reflexión sobre cuánto control mantienen las personas sobre su atención y sobre el tiempo que dedican al consumo digital.

¿Cuándo se presenta “Abrumadora y Sobre-estimulante”?

La temporada tendrá tres únicas funciones, programadas para el viernes 2, sábado 3 y domingo 4 de octubre.

Según la información proporcionada por la producción, las presentaciones se realizarán en el Auditorio IHS de Barranco, ubicado en Jr. Ignacio Mariátegui 120.

Los horarios anunciados son 8:00 p. m. para el viernes 2 y sábado 3, y 7:30 p. m. para el domingo 4 de octubre.

La obra está recomendada para mayores de 14 años acompañados de un adulto. Las entradas han sido anunciadas a través de Joinnus.

El Arzobispado de Lima estrenó el documental ‘León XIV vuelve a casa’ con miras a la visita que el Santo Padre realizará al país, en noviembre próximo.

La miniserie fue transmitida a través el canal de YouTube de la entidad eclesiástica, la noche de ayer domingo. El primer programa tuvo como protagonista a la diócesis hermana de Chiclayo, a la que el Santo Padre guarda un cariño especial.

“Este primer episodio nos ayudará a conocer cómo se prepara la Iglesia de Chiclayo de cara al regreso a casa de Robert Prevost, compartiendo testimonios de quienes lo acompañaron de cerca cuando fue obispo”, señaló Juan José Dioses, jefe de prensa del Arzobispado de Lima.

El viocero, además, comentó que el documental muestra una visita al histórico pueblo de Zaña, lugar que el Santo Padre visitará para clausurar el Año Jubilar por el tricentenario de canonización de Santo Toribio de Mogrovejo. Los episodios serán trasmitidos cada domingo, a las 7:00 de la noche.

El Centro Cultural Peruano Japonés presenta el X Salón de Arte Joven Nikkei, exposición colectiva que reúne las propuestas de 14 artistas de la comunidad nikkei y permanecerá abierta al público hasta el próximo 11 de octubre.

La muestra ocupa la Galería de Arte Ryoichi Jinnai y el Hall de Exposiciones del centro cultural, en Jesús María. La agenda oficial de la Asociación Peruano Japonesa (APJ) confirma que el ingreso es libre, con capacidad limitada.

Una mirada a las transformaciones de la identidad nikkei

La décima edición desarrolla una reflexión en torno a la identidad, la memoria familiar, el mestizaje y la experiencia migratoria. La propuesta curatorial plantea que las identidades no permanecen inmutables, sino que se modifican y adquieren nuevos significados entre generaciones.

La exposición es organizada por el Departamento de Cultura de la Asociación Peruano Japonesa, bajo la coordinación del artista plástico y gestor cultural Haroldo Higa y la curaduría del historiador del arte Juan Peralta. La información coincide con la programación oficial de la APJ.

El sitio institucional presenta el eje de la muestra como “El fenotipo mutante y la estética de la fricción”. En el material de difusión de la exposición también aparece desarrollado como “Del fenotipo mutante a la estética de la fricción”.

¿Quiénes participan en el X Salón de Arte Joven Nikkei?

Los 14 artistas seleccionados son Adrián Miyagi Ochoa, Aiko Ortiz Endo, Andrea Gima Ishiki, Camila Sugano, César Wakabayashi Reyes, Harumi Kusen Guillén, Hitomi Manrique Kina, Jimena Kunigami Nakahara, Kaede Igue Guerra, Katsumi Arroyo Landa, Kei Nakasone Tamanaja, Marcia Sato Sueyoshi, Mayumi Noborikawa Gushiken y Mia Pasco Yumi.

Sus propuestas recurren a lenguajes como el grabado, el video, el afiche, la fotografía, el diorama, la ilustración, el tejido, la instalación y el nail art.

A través de estos formatos, la exposición aborda distintas formas de experimentar la pertenencia y la herencia cultural nikkei, así como las transformaciones generadas por el encuentro entre tradiciones, generaciones y contextos sociales.

Diez ediciones dedicadas al arte joven nikkei

El Salón de Arte Joven Nikkei llega en 2026 a su décima edición. La iniciativa funciona como un espacio para presentar y difundir el trabajo de jóvenes creadores vinculados con la comunidad nikkei.

La edición anterior, realizada en 2025, estuvo dedicada al eje “Crisis, identidad y posmodernidad” y también ocupó la Galería Ryoichi Jinnai y el Hall de Exposiciones del Centro Cultural Peruano Japonés.

De acuerdo con la información proporcionada por la organización, desde su creación en 2017 el salón ha permitido mostrar el trabajo de más de 110 jóvenes artistas.

Horarios y actividades del Salón de Arte Joven Nikkei

La exposición puede visitarse de martes a sábado, de 10:00 a. m. a 1:00 p. m. y de 2:00 p. m. a 8:00 p. m. Los domingos abre de 10:00 a. m. a 1:00 p. m. y de 2:00 p. m. a 7:00 p. m.

El programa difundido por la organización contempla además visitas guiadas y una presentación de catálogo durante las próximas semanas. La conferencia de artistas anunciada para el 17 de septiembre ya se realizó.

“Los engaños de Escapín” sigue a Octavio y Leandro, dos jóvenes enamorados que, ante el regreso de sus estrictos padres y la amenaza de matrimonios arreglados, recurren a un singular aliado: Escapín, un sirviente ingenioso que hará del engaño su mejor herramienta para conseguir lo que quiere.

La puesta en escena de Molière aborda la rebeldía, el ingenio y el choque social y generacional que mantiene un humor universal y vertiginoso, y busca a través de la comedia que el público se ría de situaciones que parecen lejanas en el tiempo, pero con las que irónicamente nos podemos identificar todos los días.

“Con el paso de los siglos no ha desaparecido la estructura de poder de la que Molière se burlaba, ni los actores que la componen -entre ellos- aquella figura de los estratos más bajos que, como medio de subsistencia, emplea su ingenio para aprovecharse de los que poseen más, actuando con alevosía y obteniendo beneficios irregularmente, aunque no luche contra el sistema y sólo se aproveche de él”, nos dice el director de la obra Omar Velásquez.

En nuestros días le conocemos como ‘pendejo’: “ese es Escapín, un sirviente que, siguiendo el ejemplo de sus amos, hace del engaño un modus vivendi”. Forma parte del elenco: Martín Velásquez, Angelita Velásquez, Mario Velásquez, Juan Carlos Díaz, Víctor Acurio, Sergio Delgado, Alexandra Garcés y Verónica Infantes.

Dos padres tacaños. Dos hijos enamorados y desesperados. Y un sirviente dispuesto a estafarlos a todos. Un clásico de Molière lleno de ritmo, engaños y carcajadas. Acompaña a Escapín en una comedia de enredos donde el más astuto es quien dicta las reglas.

FUNCIONES DE LOS ENGAÑOS DE ESCAPÍN

Fechas: hasta el 28 de septiembre

Día y hora: viernes a lunes a las 8:00 p.m. y domingos a las 7:00 p.m.

Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma

Dirección: Av. Larco 770 Miraflores

Entrada General: 50 soles

Estudiantes, jubilados y vecino Miraflores: 35 soles

Lunes popular: 35 soles

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Visión y estética

“Teología del No” es un poemario de corte expresionista que reinterpreta, desacraliza y humaniza a los personajes más emblemáticos del imaginario judeocristiano. A través de la voz lírica (que adopta la técnica del “monólogo dramático” o “máscara poética”), los personajes del Antiguo y Nuevo Testamento —así como del apéndice apócrifo— toman la palabra no para adoctrinar ni rendir culto, sino para manifestar sus grietas, culpas, traumas e impotencias. El título opera como clave hermenéutica: no se trata de una teología dogmática de afirmación (“Sí, creo”), sino de una teología de la negación, la duda y el dolor (“El No”). Se subvierte la fe dócil para dar paso al cuestionamiento del mito fundacional.

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Estructura y arquitectura

El libro se organiza emulando la estructura bíblica tradicional en tres grandes secciones: Antiguo Testamento (12 poemas), Nuevo Testamento (20 poemas) y Apéndice Apócrifo (2 poemas finales).

Antiguo Testamento: explora el origen del trauma humano, la violencia filial, el patriarcado rudimentario y la sumisión a un Dios arbitrario o exigente (Adán, Eva, Caín, Abel, Abraham, Moisés, David, etc.). Abel: “En todas las familias siempre hay toda clase de asesinos. / Unos entierran vivos a sus víctimas y conspiran / contra el miedo. / Otros, solo cuando no saben dónde esconder el cadáver, por fin reconocen ese miedo. (p. 25).

Nuevo Testamento: desmitifica la encarnación y la redención, enfocándose en la carga psicológica, el miedo y las traiciones inherentes al destino (María, José, Jesús niño, Judas, Pedro, Pilatos, Barrabás, etc.).

Y, Apéndice apócrifo: de tono apocalíptico y metafísico sobre la finitud, el castigo y la soledad del testimonio (Muerte de los Apóstoles y las visiones del Apocalipsis de Juan). Léase: Muerte de los apóstoles (p. 85).

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Humanización y desmitificación

Los personajes bíblicos dejan de ser estatuas de fe inquebrantable y adquieren carne, vulnerabilidad y angustia existencial. Revisemos Abraham: no es celebrado por su fe ciega al intentar sacrificar a Isaac, sino que queda marcado por la culpa perpetua de haber afilado el cuchillo contra su hijo: “Debí proteger a este niño y acabé matándolo. / No ahora, pero sí durante el resto de su vida” (p. 31). Moisés: se muestra frustrado y escéptico frente a un pueblo ingrato e ignorante, muriendo consciente de que sus actos no serán comprendidos. Cito: liberar a un pueblo / también significó liberarlos de su propia ignorancia Incrédulos, aduladores, paganos, y hasta impíos me siguieron. / Todos deseando que nadie los despreciara por su pasado. Todos con un linaje que se convertiría en alimento para el extravío. (p. 37)

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Mujer y denuncia

Saldaña otorga una voz a las figuras femeninas, cuestionando la violencia estructural e histórica sobre ellas bajo pretextos divinos o morales. En “Eva” desmonta la culpa del “pecado original” y revela que el sometimiento de su cuerpo fue la verdadera manzana del conocimiento: “mi sexo humillado, siempre fue el único árbol / del conocimiento” (p. 23). En María Magdalena: confronta la narrativa que la condenó como impura, evidenciando la hipocresía de los hombres: “Lo cierto es que mi pudor terminó siendo manchado / bajo las leyes impuestas por maridos cobardes e insatisfechos” (p. 65). María de Nazareth: quien “Porque ni siquiera todo mi amor será suficiente / para calmar su miedo, cuando me lo hayan arrebatado, y todos me vean por fin, como la primera cómplice, quien trazó el camino para el peregrinaje del cordero” (p. 47).

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Trampa del destino

Los personajes tienen un guion divino inevitable. Judas Iscariote, por ejemplo, no es el villano absoluto, sino un engranaje trágico del plan de redención que espera ser rescatado por el mismo maestro a quien entregó. Pedro pide ser enterrado boca abajo para que la Iglesia se cimente sobre la memoria de un hombre que falló, para que así, cuando alguien haya fallado, se sienta menos culpable, al recordar sobre quién está pisando.

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Valoración y conclusión

“Teología del No” se inscribe en la tradición lírica peruana que dialoga y tensiona los textos sagrados en la línea de como Antonio Cisneros (“El libro de Dios y de los húngaros”). En el poema que cierra “Juan y las revelaciones” se expresa a través de los siete ángeles (recordamos a nuestro “Éxodo a las siete estaciones”).

El autor construye una poética del desengaño y de la empatía. Evidencia que la verdadera trascendencia humana no reside en la obediencia ciega al dogma ni en el heroísmo divino, sino en la capacidad de soportar la culpa, el dolor, el amor contradictorio y el aplastante silencio del universo. Saldaña nos recuerda que, al despojar al mito de sus oropeles, lo que queda en la raíz de toda teología es, simplemente, la frágil y trágica condición humana. Estos méritos hacen de Saldaña una de las voces más potentes de la nueva poesía peruana.

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