Anahí Ribeiro, actriz, directora y dramaturga argentina, se inspiró en un conflicto familiar para escribir “Brotherhood”, obra teatral que se está presentando en Lima en la Alianza Francesa de Miraflores, y que cuenta cómo siete hermanos enfrentan el deterioro de sus padres desencadenando serios conflictos y cuestionamientos. “Mi abuela tuvo un ACV y cuando se recuperó no quiso vivir más con mi abuelo, ni ocuparse de más nada. Inclusive diciéndole a sus hijos que ella quería vivir en paz el tiempo que le quedaba. Eso desató una infinidad de situaciones en los hijos, que más allá de este hecho puntual, por primera vez tuvieron que enfrentarse al hecho de que sus padres habían llegado al punto en que debían ser cuidados”, cuenta Ribeiro sobre el origen de “Brotherhood”.
¿Cuán difícil o reparador fue mostrar parte de tu vida en la historia? Brotherhood es una comedia dramática y yo siempre digo que la comedia es drama más tiempo. Y en ese sentido, el tiempo, la distancia entre los hechos y el momento de la escritura me dio la posibilidad de incorporar a la historia el humor, un humor ácido, negro, blando; me dejó ver el panorama completo donde pude comprender que no hay buenos y malos en esta historia, simplemente gente con sus dolores, pesares, faltas y fortalezas que hicieron lo que pudieron con la pérdida, con su propia orfandad.
Siempre pienso que cuando se escribe con honestidad el mensaje llega intacto.
Hace seis años que Brotherhood está en cartelera en Buenos Aires, y me han dicho muchas veces que la obra es sanadora; me lo volvieron a decir hace unos días acá en Lima, y eso es hermoso. Cuando uno escribe con pasión algo que lo atraviesa y eso atraviesa a otros, y los reconforta de algún modo, o los hace repensarse, o resolver algo de lo que están pasando, es de una satisfacción inmensa.
¿Las familias argentinas son muy parecidas a las peruanas?
Sí, son muy similares. De hecho, cuando otros integrantes de Puente (productora local) la vieron en Buenos Aires coincidieron en que la obra se entendía perfectamente, que a excepción de expresiones localistas, el mensaje era claro, la historia comprensible y la temática universal. Lo que sí hicimos fue peruanizar el texto, porque queríamos que el público en Perú no tuviera que estar preguntándose “qué quiere decir tal cosa”.
Lo que sucede en Brotherhood puede suceder en cualquier casa familiar del mundo, ¿cuál es el plus que tiene tu historia frente a la vida misma?
Creo que la manera de contarlo, el formato, la dinámica, la puesta en escena, la elección de la poética actoral. Siempre digo que entre los griegos y Shakespeare lo escribieron todo, por lo que el “qué contamos” es importante, pero “cómo lo contamos” es lo que particulariza a un espectáculo y a nosotros mismo como creadores.
¿Alguna diferencia entre dirigir a actores argentinos y peruanos?
No mucha a la hora de trabajar, los siete actores que hacen Brotherhood son profesionales, talentosos, trabajadores, curiosos, y conocen la profesión y el oficio de una manera muy sensible; entonces cuando eso sucede, lo único que queda es aunar criterios de trabajo, dinámicas y estar todos en la misma sintonía. Eso es lo que pasó con este equipo maravilloso, que, si bien tuvo que adecuarse a la propuesta estética y a un ritmo escénico que nunca había abordado antes, lo hizo a la perfección. Todos juntos logramos sacar lo mejor de todos en cada rubro.
¿Qué te ha parecido la reacción del público peruano a tu trabajo? El público peruano ha reaccionado a la obra como en Argentina, de hecho, pasan cosas que pasan allá, como el hecho de que un espectador se acerque a contarte que está pasando por lo mismo, que ese chat de hermanos es igual al que tiene con sus hermanos, que también tiene un hermano ausente, o que se ven a ellos mismos sentados en esas sillas. La obra despierta prácticamente las mismas emociones, y eso habla de lo universal del tema.
